Ihre künstlerische Praxis ist in der Figuration verwurzelt und untersucht den menschlichen Körper, seine Schönheit, Fremdartigkeit und wechselnden Darstellungen in der Kunstgeschichte, Populärkultur und Alltagsmedien. Ausgehend von unterschiedlichen visuellen Quellen nähert sie sich dem Akt auf spielerische und kritische Weise und stellt ikonische Bilder banalen, absurden oder beunruhigenden Momenten gegenüber. 2018 schloss sie ihren MFA an der National Art School in Sydney ab. Sie lebt und arbeitet in Zürich und stellt national wie international aus. “Meanwhile a Man was falling from Space” (2024) zeigt einen nackten männlichen Körper, der in einer winterlichen Landschaft liegt und von fallendem Schnee umgeben ist. Die Arbeit untersucht die Spannung zwischen physischer Präsenz und einem imaginierten Anderswo. Der Titel verweist auf Ereignisse, die sich gleichzeitig ausserhalb des Bildrahmens abspielen. Indem der Akt in eine banale und zugleich unheimliche Umgebung versetzt wird, führt das Gemälde ihre Auseinandersetzung mit dem Körper und den Konventionen des Genres fort.
Laura Chalabi
Laura Chalabi ist eine palästinensisch-irakisch-österreichische Künstlerin und Mathematikerin mit Wohnsitz in Wien. In ihren Arbeiten, die Installation, Sound, Text, Performance und materielle Experimente umfassen, setzt sie sich mit Identität, Migration und migrantischer Kultur auseinander. Häufig untersucht sie das Spannungsverhältnis zwischen Bewahrung und Transformation und fragt danach, wie sich Objekte, Körper und Kulturen verändern und zugleich Spuren ihrer Geschichte bewahren. Dabei nähert sie sich diesen Fragestellungen oft über Alltags- und Körpermetaphern und greift auf persönliche Erfahrungen mit Erinnerung, generationenübergreifenden Traumata und dem Aushandeln multipler Identitäten zurück.“Self-Portrait In Hair” ist ein Selbstporträt, das aus dem eigenen lockigen Haar der Künstlerin geformt und auf vier Keramikfliesen montiert wurde. Es erinnert an ein Gesicht, das sich beim Duschen aus Haaren formt. Die Arbeit untersucht das Spannungsverhältnis zwischen Ekel, Intimität, Scham und Sichtbarkeit und reflektiert Haar als Merkmal des Andersseins – gefangen zwischen der Fremdzuschreibung des Exotischen und dem verinnerlichten Anspruch, sich gesellschaftlichen Normen anzupassen.
Johanna Dembinski
Johanna Dembinski ist eine interdisziplinäre Künstlerin mit Schwerpunkt auf Keramik. Die Beschäftigung mit dem Ungeklärten und Unverständlichen, mit Mythen, Mutmaßungen und Aberglauben bildet den Ausgangspunkt für ihre Arbeiten. In Interviews und partizipativen Prozessen erforscht sie unseren Umgang mit dem Ungewissen, sammelt Randnotizen des Übernatürlichen und phantastische Erklärungsmodelle für nicht begreifbare Phänomene. Johanna untersucht Imagination als Bewältigungsstrategie, Resilienzfaktor und Möglichkeitsraum, um gegenwärtige Zustände zu hinterfragen und Transformationen anzustoßen. Was die Menschen ihr mitteilen, übersetzt sie in keramische Kartografien, spekulative Gebrauchsanleitungen und Diagramme. Sie entwirft fiktive Bewegungen und verschachtelte Enzyklopädien. Johanna hat Freie Kunst an der Bauhaus-Universität in Weimar und an der Athens School of Fine Arts studiert. Sie lebt und arbeitet in Leipzig. Die Arbeit untersucht gegenwärtige Formen des Aberglaubens und basiert auf einem erzählbasierten Rechercheprozess. Johanna befragt Menschen zu lokalen Mythen und Ritualen. Die gesammelten Erzählungen übersetzt sie in keramische Karten. Während herkömmliche Kartografie die erforschte und messbare Wirklichkeit erfasst, beschreiben ihre Karten eine Welt, die an der Wirklichkeit brüchig geworden ist.
Silvie Noemi Demont
Silvie Noemi Demont (*1996 in Chur) lebt und arbeitet als Künstlerin und Kunstvermittlerin in Chur. Nach einer Ausbildung zur Bekleidungsgestalterin studierte sie Fine Arts an der ZHdK und absolvierte 2025 ihren Master in Fine Arts mit Major Art Teaching an der Hochschule Luzern. In ihrer künstlerischen Praxis verbindet sie textiles Handwerk mit gesellschaftlichen Fragestellungen zu Arbeit, Konsum und Nachhaltigkeit. Seit 2022 führt sie das Upcycling-Label EIVLIS und ist in der schulischen und ausserschulischen Kunstvermittlung tätig.
„Fäden ziehen“ untersucht Sichtbarkeit und Verschwinden textiler Arbeit. Auf wasserlöslichem Grund gestickt, bleibt nach dessen Auflösung ein fragiles Netz zurück. 17 km 734 m Faden und 63 Stunden 17 Minuten Stickzeit machen verborgene Arbeit greifbar. Stickerei wird zur Spur von Zeit, Wissen und Handwerk – und zum Widerstand gegen deren Abwertung.
Daniela Monica Sara Eberle
Daniela Monica Sara, geboren 1993, lebt und arbeitet in Zürich. 2024 schloss sie ihr Studium an der ZHdK (Zürcher Hochschule der Künste) mit einem Bachelor of Arts in Design ab. Ich verstehe meine künstlerische Praxis als erweitertes Feld, in dessen Mittelpunkt Materialität, Wiederholung und die Bedingungen von Präsenz stehen. Meine Arbeiten sind bunt, glänzend und verspielt. Sie bedienen sich der Ästhetik und der Materialien des alltäglichen Konsums: Farbe, Plastik, Glitzer, Glanz und Zuckeraustauschstoff. Was als süss und harmlos angesehen wird, sehe ich nicht als belanglos an. Die «Juicyness» der Oberflächen ist für mich eine eigene Sprache, die ihre emotionale Kraft in sich trägt und an Kindheit, Jahrmarkt und Spielzeug erinnert. Hinter der Leichtigkeit steht die Frage nach den Bildern von Glück und Geborgenheit, mit denen wir aufwachsen. Geschaffen werden offene Situationen, die durch Partizipation, Wahrnehmung und körperliche Erfahrung vervollständigt werden. In der Malerei, der Bildhauerei, in Installationen und performativen Kontexten. Meine Arbeiten wollen angefasst, bespielt und geteilt werden. Dabei sind Transformation und Ritual zentral: das Berühren, Wiederholen und gemeinsame Erleben. Für mich ist Kunst ein Raum der Verbindung, in dem persönliche Erfahrungen zu gemeinsamen, sinnlichen Momenten werden. In einem Wasserbecken stehen 21 Sanduhren aus gegossenem Zucker. Sand gibt es keinen. Was rinnt, ist die Zeit selbst, unsichtbar, nur an den sich verändernden Formen ablesbar. Man möchte sie festhalten, doch sie entrinnt. Das Wasser löst auf, trägt ab, manche Uhren vergehen schneller, andere halten länger stand. Am Ende ist nicht mehr zu sehen, wie viel Zeit vergangen ist, nur, dass sie es ist.
Beate Frommelt &
Carla Hohmeister
Beate Frommelt lebt und arbeitet in Zürich und Liechtenstein. Sie hat einen MA in Bildender Kunst vom Byam Shaw, Central Saint Martins in London sowie einen MA in Kunstpädagogik von der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK).
Carla Hohmeister lebt und arbeitet in Zürich und absolvierte eine Designausbildung an der Schule für Gestaltung St. Gallen. Ihre gemeinsame Praxis konzentriert sich auf textile Arbeiten, die international ausgestellt wurden, unter anderem an der Biennale von Venedig, der Triennale der Skulptur in Bad Ragaz und dem Festival du Lin in Frankreich.Der Wolf steht still. Für einen kurzen Moment wird er zum Bild – festgehalten von einer Fotofalle. Was für das Tier ein zufälliger Schritt durch den Wald ist, wird für uns zu einem dokumentierten Augenblick. Die Fotofalle macht das Unsichtbare sichtbar und verwandelt Natur in Daten, Bewegung in einen gespeicherten Moment. Jeder Stich wird zu einem Pixel. Aus der Distanz erscheint das Motiv klar und fotografisch, aus der Nähe zerfällt es in einzelne Punkte, Farben und Fäden. So wird sichtbar, wie ein digitales Bild entsteht: Aus vielen kleinen Informationen, die gemeinsam ein Ganzes ergeben. Die handwerkliche, langsame Technik steht dabei im Kontrast zur automatisierten Geschwindigkeit der Kamera. Der Kreuzstich übersetzt einen Moment digitaler Überwachung in etwas Körperliches und Dauerhaftes. Es macht sichtbar, was sonst im Dunkeln bleibt – und stellt zugleich die Frage, wer hier eigentlich wen beobachtet. Der Wolf polarisiert. Bei einer Ausstellung im öffentlichen Raum wurde der «Wolf» von Unbekannten zerschnitten. Die Künstlerinnen beziehen in dieser Arbeit keine Stellung pro oder contra Wolf. Das Wandbild zeigt die Aufnahme einer Wärmebildkamera. Kunst spiegelt aktuelle Themen wider, wirft Fragen auf und löst gelegentlich auch Kritik aus. Vandalismus ist keine angemessene Reaktion darauf.
Caroline Fuss
Sie wurde in Paris geboren, lebt und arbeitet seit 2000 in Zürich und besitzt die französische und die Schweizer Staatsbürgerschaft. Ihre interdisziplinäre Praxis ist geprägt von Studien in Psychologie, Bildender Kunst, kreativer Praxis und Programmierung an der ZHdK. Sie arbeitet mit Malerei, Installation und digitalen Medien und untersucht Transformation, Identität, Wahrnehmung sowie das Verhältnis zwischen menschlicher Erfahrung und Technologie. Sie hat vielfach in der Schweiz ausgestellt, darunter mit Einzelausstellungen in der Galerie 2, an der ZHdK und bei Mehrspur.
UN- SICHTBAR 04, 2026 Dieses werk ist ein Selbstporträt. Es beleuchtet den Widerspruch zwischen dem ständigen Aufruf zur Sichtbarkeit auf digitalen Plattformen und der Kontrolle durch Algorithmen und stellt die Frage: Wer entscheidet darüber, was sichtbar sein darf? Allerdings kann dieses Werk auf eben diesen Plattformen Überhaupt nicht platziert werden.
Maryam Ghasemi
Maryam Ghasemi, 1992 im Iran geboren, ist eine multidisziplinäre Künstlerin und lebt und arbeitet in Lausanne. 2016 schloss sie ihr Bachelorstudium in Malerei an der Universität Teheran ab. 2022 erwarb sie ihren Masterabschluss in Bildender Kunst an der ECAL (École cantonale d’art de Lausanne).
Ihre multidisziplinäre künstlerische Praxis bewegt sich zwischen Skulptur, Zeichnung, Malerei, Fotografie, Textil und Text. Häufig entstehen daraus Installationen, die Übergangsräume eröffnen, in denen sich Formen und Identitäten wandeln. In experimentellen Arbeitsprozessen setzt sie sich mit dem Körper und verkörperter Erfahrung, mit Ortswechsel und Entwurzelung, Weiblichkeit und Widerstand sowie mit dem Verhältnis zwischen persönlicher und kollektiver Vorstellungswelt auseinander. Ihre Arbeit bezieht sich auf persische und SWANA-illustrierte Manuskripte sowie auf das geschriebene Wort – von antiken Texten und Sprichwörtern bis hin zu Parolen an Hauswänden –, die sie in einen Dialog mit zeitgenössischen Erzählungen bringt.
Sie stellte unter anderem bei Mono in Lissabon, der Biennale für Freiburg in Freiburg im Breisgau, im Espace CHUV in Lausanne und an der Damonfar Visual Arts Biennale in Teheran aus. Zu ihren Auszeichnungen zählen der Förderpreis für aufstrebende Künstler:innen der Fondation Francine Delacrétaz (CH) sowie Preise beim Re:Touch Photo Contest (DE) und der 6. Damonfar Visual Arts Biennale (IR).
Diese Arbeiten gehen auf die Videoanrufe der Künstlerin mit ihrer Familie im Iran zurück. Für ein Leben zwischen Hier und Dort werden Standbilder zu einem Faden, der nach Hause führt – zu einem Ort, der über den Bildschirm geteilt wird. Wenn die Internetverbindung in Zeiten politischer Spannungen verlangsamt oder unterbrochen wird, reisst dieser Faden ab.
Die Pixelbildung und Bildstörungen einer instabilen Verbindung werden zum Pinsel: Verlorene Daten verwandeln sich in einen malerischen Zwischenraum, der an die Lücken in unserer Erinnerung erinnert.
Amina Giger
Sie ist bildende Künstlerin und Kunstpädagogin und lebt in Zürich; sie arbeitet in Zürich und Frauenfeld. Nach einer Ausbildung in der Gastronomie absolvierte sie 2019 einen BA und 2022 einen MA in Art Education an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Neben ihrer künstlerischen Praxis arbeitete sie im IT-Projektmanagement und unterrichtet seit 2024 Kunst an der Kantonsschule Frauenfeld. Ihre Gemälde wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen in der Schweiz gezeigt; ihre Arbeiten befinden sich in privaten Sammlungen und in der Sammlung der Stadt Zürich.
«Im Museum», 2026
Eine Person steht vor einem Gemälde im Museum. Ihr Gesicht fehlt: Es ist zweigeteilt in Dunkelblau und Pink und greift die Farbfläche des Kunstwerks auf. Die Leerstelle im Zentrum lässt eine vertraute Museumsszene fremd und rätselhaft wirken. Wer ist die Person, die sich vor einem Gemälde porträtieren lässt und dabei ihr eigenes Gesicht an das Gemälde hinter sich verliert?
«Warteraum mit Sneakers», 2026,
Ein Blick von oben fängt einen alltäglichen Ausschnitt ein: Blaue Hosenbeine, helle Sneaker und die Lehne eines orangefarbenen Stuhls. Dazwischen breitet sich ein dunkler Boden aus, der viel Raum einnimmt. Es herrscht eine subtile Spannung zwischen Figur und Stuhl. Will sich die Person setzen oder ist sie im Aufbruch? Wartet sie oder wird sie erwartet?
Robin Gommel
Er ist Konzeptkünstler, dessen Medium sich aus der jeweiligen Idee ergibt. Mit einem MA in Soziologie, Politik- und Medienwissenschaften untersucht er soziale und politische Fragen durch spielerische Experimente, die Grenzen austesten.
“Watching” (2026) ist eine Medienarbeit, die auf der langjährigen Sammlung von Fotografien von Überwachungskameras im öffentlichen Raum des Künstlers basiert. Seit 2012 dokumentiert er diese Kameras samt Standorten und Aufnahmedaten und baut so ein Archiv alltäglicher Überwachung auf. Für die Ausstellung werden ausgewählte Bilder zusammen mit ihren Metadaten auf Thermopapier gedruckt. Besucher*innen können die Ausdrucke mitnehmen; das vergängliche, hitzeempfindliche Material spiegelt dabei die Flüchtigkeit digitaler Überwachungsdaten. Eine alte Überwachungskamera mit Monitor beobachtet den wachsenden Stapel der Überwachungsbilder und richtet den Akt des Beobachtens auf sich selbst zurück.
Manuela Hitz
Sie ist Künstlerin und künstlerische Leiterin des Musée Visionnaire in Zürich. Ihre Praxis bewegt sich zwischen Storytelling, Erinnerung und Weben und untersucht Formen des Archivierens und Entarchivierens, vergessene Geschichten, autobiografische Spuren sowie feministische Fragen nach Sichtbarkeit, Fürsorge und Zeit. Sie hat einen BA in Media & Art und einen MA in Bildender Kunst von der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK).
“Anarchiv 2_2_1: ZWISCHENLAND” (2026) ist eine ortsspezifische Installation, die untersucht, was bleibt, wenn Orte verschwinden. Frottagen von Gebäuden, die sich im Wandel befinden, werden in Reliefs aus Bügelperlen übersetzt – einem Material, das mit Alltag, Spiel, Fürsorge und Wiederholung verbunden ist. Die fragmentierten und unvollständigen Formen spiegeln die Lücken und Verschiebungen der Erinnerung. Im ehemaligen Waschraum installiert, verbinden die Arbeiten Spuren verschwindender Orte mit der vielschichtigen Geschichte des Raums und schaffen einen Ort zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.
Luca Hofmann
In seiner künstlerischen Praxis untersucht Luca Hofmann Übergänge zwischen physischen und virtuellen Räumen. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Materialität und Immaterialität, Natur und zeitgenössischer Technologie, zwischen Simulation und Erinnerung. Sie entstehen aus einer Gegenwart, in der Wahrnehmung, Raum und Identität digital geprägt werden.
Ausgangspunkt bilden Erfahrungsräume wie Videospiele, Wälder oder alte Geschichten. Analoge und digitale Fragmente, Materie, Landschaft und Erzählung verdichten sich dabei zu hybriden Bildräumen, in denen sich unterschiedliche Wirklichkeiten überlagern und neue Bezüge entstehen.
Shared Locations zeigt Landschaften aus dem Videospiel Minecraft und untersucht digitale Räume als Erweiterung unserer räumlichen Wahrnehmung. Sie werden zu Handlungs-, Erfahrungs- und Erinnerungsräumen, die trotz ihrer Immaterialität real erlebt werden. Durch die Übertragung auf Leinwand erhalten sie eine physische Präsenz. Ihr Standort verschiebt sich und verschwimmt zwischen virtuellem Raum, Materialität und Erinnerung.
Tobias John
Tobias John untersucht in seiner Arbeit verschiedene Dimensionen von Raum. Raum wird dabei nicht als abgeschlossene architektonische Struktur verstanden, sondern als relationales Medium.
Ein zentraler Fokus liegt auf Unverfügbarkeit, digitalem Raum und deren zunehmender Verflechtung mit der physischen Realität. Alltägliche digitale Prozesse und Simulationsmechanismen existieren nicht neben der Realität, sondern tragen vielmehr zu deren Entstehung bei.
John arbeitet mit Prinzipien der Überlastung, die aus der Konfrontation digitaler Realitäten mit physischen Materialien hervorgehen. Die daraus entstehenden Fehler versteht er nicht als binäre Störungen, sondern als produktive Übergänge. Gerade dort, wo Simulationsprozesse ihre Stabilität verlieren, wird sichtbar, wie verhandelbar Realität ist.
In diesen fragilen Momenten untersucht er den Unterschied zwischen menschlichem und maschinellem Lernen: Während maschinelle Systeme auf Korrektur ausgerichtet sind, eröffnet der menschliche Umgang mit Fehlern Räume für Improvisation und Bedeutungsbildung. Im Kontext der Ausstellung «Teile deinen Standort» verknüpft die Arbeit digitale Ortung mit körperlicher Erfahrung und physischem Raum. Räumliche Verschiebungen übersetzen die Logik digitaler Fehlerzustände in eine physische Situation, in der materielle Grenzen und vertraute funktionale Zusammenhänge ihre Selbstverständlichkeit verlieren.
Das technologische Versprechen unmittelbarer Verfügbarkeit und Gleichzeitigkeit trifft auf den Widerstand des Materiellen. Der alltägliche Akt des Duschens wird zu einem absurden, sich zunehmend steigernden Streben nach einem flüchtigen Moment der Ordnung.
Mit subtiler Absurdität legt die Arbeit die Diskrepanz zwischen den präzisen Versprechen digitaler Verfügbarkeit und der Flüchtigkeit des realen Augenblicks offen – die Unmöglichkeit, zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein.
Alparslan Kabasakal
Alparslan Kabasakal (*1999 er/ihm) studiert im Master Fotografie an der Folkwang UdK
in Essen. Die Fotografien in seiner Arbeit sind oft bruchstückhaft aus dem Leben
gerissen und erst zu Serien und anschließend zu Projekten zusammengesetzt. Aus Alltäglichem werden innerhalb der einzelnen Werksgruppen fragile und unsichere Abbildungen des Gewohnten. Im Spannungsfeld zwischen seinen Motiven werden Fragen deutlich die eng mit dem Leben als postmigrantischer Mensch verbunden sind: Identität, Zugehörigkeit und die vage Natur von Beziehungen. Was bedeutet es immer zu Gast zu sein? Misafir türkisch für Besuch, hat seinen Ursprung im arabischen Wort Musafir das Reisender bedeutet. Ein Reisender der zum
Gast wird, ist Misafir. Postmigrantisch sein heißt immer zwischen sozialen Kreisen zu
wandern und Zugehörigkeiten im häuslichen Umfeld als etwas Fragiles, chaotisches und
temporäres wahrzunehmen.
Peter Kradolfer
Peter Kradolfer (er/ihm) erforscht das Zusammenspiel von Material, Körper und Umwelt. Mit einem experimentellen, prozessorientierten Ansatz untersucht Peter das Veränderungspotenzial industrieller und organischer Strukturen. Seine Installationen verbinden Skulptur, Bewegtbild und Klang und zeigen auf, wie durch künstlerische Eingriffe neue Beziehungen zwischen Körper und Umgebung entstehen.
Die Skulpturserie “Neornamente” (2026) besteht aus zusammengeschweissten Metallornamenten, die mit belichteter Fotoemulsion überzogen wurden. In wässrigen und feurigen Prozessen wurden Ornament und Fotografie in den dreidimensionalen Raum transformiert. Als hybride Strukturen zwischen Skulptur und Fotografie erschliessen sie einen Zwischenraum, der einst eine Grenze zwischen Innen und Aussen darstellte. Dabei lösen sich Materialien aus ihrer ursprünglichen Funktion und werden zu Trägern neuer Bild- und Raumordnungen.
Niloufar Krage
Das künstlerische Schaffen der visuellen Künstlerin Niloufar Krage ist eine Suche nach authentischem Ausdruck sowie eine Auseinandersetzung mit Identität, Herkunft und Heilung. Sie arbeitet konzeptionell und mit einem multidisziplinären Ansatz: Fotografie, Malereien auf rohem Gewebe, Stickerei sowie begehbare Rauminstallationen. Im Zentrum ihrer aktuellen Arbeit steht das Phänomen der Gleichzeitigkeit – das Nebeneinander unterschiedlicher Rollen, Gefühle und Lebenswelten. Inspiriert von Natur, Mutterschaft und inneren Landschaften macht sie emotionale Spannungsfelder physisch erfahrbar und schafft Räume für Begegnung und Heilung.
Eine immersive Installation, aufgebaut auf Rumis Metapher der Schilfrohrflöte und das Gefühl von Gharibi – dem Fremdsein und Heimweh. In vier Kapitel aufgeteilt, untermalt von eigens komponierter Musik und der Stimme der Mutter. Ein handgebundenes Buch sowie eine Stimme aus Teheran formen einen Ort der Sehnsucht, Erinnerung und Verbindung: zugleich hier und nicht hier.
Ilia La Belle
Ilia La Belle (2004) ist eine interdisziplinäre Künstlerin. Sie lebt und studiert Bildende Kunst in Basel. In ihrer Arbeit untersucht sie kritisch, manchmal auch ironisch, Alltägliches mit dessen herkömmlichen Zusammenhängen. Haptik, Material und Technik spielen in ihren künstlerischen Prozessen eine bedeutende Rolle. Mal sanft und fragil, mal kratzig und laut. Ausgehend von gesellschaftlichen Fragestellungen, Erinnerung, Archiven und Texten kombiniert sie verschiedene Medien und Ausdrucksformen.
Aufnahmen des Meeres in Sizilien treffen auf inszenierte Szenen zweier Schwestern, die ein Strandtag nachspielen. Zwischen Sehnsucht und Satire hinterfragt die Arbeit unsere romantisierten Vorstellungen von Ferien und der Flucht vor dem Arbeitsalltag.
Celia Längle
Celia Längle (*1980 in Liechtenstein) lebt und arbeitet als transdisziplinäre Künstlerin in Zürich. Ihr künstlerischer Prozess ist geprägt von Decodierung und Recodierung, Transformation und Deterritorialisierung. Sie setzt sich mit Phänomenen auseinander, die komplexe soziokulturelle und wissenschaftlich-ästhetische Verstrickungen aufweisen. Ihre Arbeit verortet sie im Spannungsfeld von Kunst, Wissenschaft und posthumanistischen Fragestellungen zu Weitergabe, Präsenz und Vergänglichkeit.
Sie studierte Molekularbiologie an der Universität Basel, Fotografie an der F+F Schule für Kunst und Design Zürich sowie Contemporary Arts Practice an der Hochschule der Künste Bern. Ihre Arbeiten wurden unter anderem im Helmhaus Zürich, im HEK Basel, im Kunstmuseum St. Gallen, und im Kunsthaus Pasquart Biel gezeigt. 2018 erhielt sie den Förderpreis der F+F Schule für Kunst und Design Zürich.
tapestry of legacy und s.o.s._(me).msg nutzen die mitochondriale DNA der Künstlerin als Datenspur zwischen Körper, Technologie und Erinnerung. Ein LED-Morsesignal sendet den Code ins Leere; die geklonte Stimme der Künstlerin spricht ihn aus der Vergangenheit zu uns. Beide Arbeiten oszillieren zwischen dem Wunsch nach Fortbestehen und der Gewissheit des eigenen Verschwindens.
Ming Lu
Ming Lu ist eine in Berlin lebende zeitgenössische Künstlerin. In ihrer künstlerischen Praxis untersucht sie, wie Macht, Mythologie und kollektive Erinnerung in der alltäglichen visuellen Wahrnehmung selbstverständlich werden. Mit Bildern, Objekten und Ornamenten erforscht sie, wie historische Erzählungen materielle Form annehmen. Dabei versteht sie kollektive Erinnerung nicht als ferne Vergangenheit, sondern als gelebten Zustand.
Rollenspiel, Humor und Absurdität sind zentrale Elemente ihrer Arbeit. Sie ermöglichen es ihr, vertraute Darstellungen von Autorität, Heldentum und Weiblichkeit einzunehmen und zugleich zu hinterfragen und aufzubrechen.
Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt, unter anderem in der MEWO Kunsthalle, bei der OSTRALE Biennale, im Stadtmuseum Siegburg, im Musée de Carouge und im Rothko Museum. Werke von ihr befinden sich in den Sammlungen des Stadtmuseums Siegburg, des Musée de Carouge sowie der Artothek der Zentral- und Landesbibliothek Berlin. Ming Lu hat einen Masterabschluss des Royal College of Art in London.
In diesen Selbstporträts aus Porzellan schlüpft Ming Lu in die Rollen von Daji und Meng Tian – Figuren, denen sie in der chinesischen Geschichte, Mythologie und Populärkultur begegnet ist. Indem sie sich selbst in überlieferte Erzählungen einschreibt, sucht sie nach eigenen Identitätsaspekten in diesen Figuren und formt sie zugleich durch ihre persönlichen Erfahrungen neu. Die Gefässe tragen Geschichten zwischen persönlicher Erinnerung und kollektiver Vorstellungswelt.
Lukas Matuschek
Lukas Matuschek (*1988) lebt und arbeitet in Wien. Er studierte Transmediale Kunst und Bildhauerei an der Universität für angewandte Kunst Wien. Im Zentrum seiner Praxis steht die Transfermalerei, ein von ihm entwickeltes Verfahren zwischen Fotografie, Druckgrafik und Malerei, bei dem digitale Bilder von Papier auf Leinwand, Leinen oder Aluminium übertragen werden. Seine Arbeiten wurden international ausgestellt und befinden sich in öffentlichen Sammlungen, darunter im Wien Museum und im Budapester Geschichtsmuseum.
“Transfermalerei” (2026) beginnt mit flüchtigen Bildern aus sozialen Medien, insbesondere Screenshots von Instagram-Stories. In einem mehrstufigen manuellen Verfahren werden diese digitalen Bilder von Papier auf eine physische Oberfläche übertragen und dabei materiell verändert. Verwischungen, Texturen und Übertragungsspuren stören das ursprüngliche Bild und erzeugen das, was der Künstler als «Verundeutigung» bezeichnet. Für ZWISCHENLAND untersuchen die Arbeiten eine doppelte Ortsverschiebung: vom Bildschirm zum physischen Objekt und von einer privaten, vergänglichen digitalen Geste in den öffentlichen Ausstellungsraum. In den ehemaligen Duschkabinen installiert, befinden sich die Gemälde zwischen Sichtbarkeit und Verschwinden und spiegeln die Flüchtigkeit ihrer digitalen Vorlagen. Alltagsbilder von Fenstern, Landschaften, Vorhängen und Stillleben werden zu materiellen Spuren von Momenten, die sonst rasch verschwinden würden.
Stella Pfeiffer
Nach dem Studium der Tiermedizin an der Universität in Bern und mehrjähriger Tätigkeit als Kleintierärztin studierte Stella Pfeiffer an der Hochschule Luzern, Design & Kunst Bildende Kunst mit Schwerpunkt in Performance Art und war bis 2012 als Performance Art-Künstlerin aktiv. Diesen Medienfokus verlagerte sie dann auf die Zeichnung. Seit einigen Jahren arbeitet sie mit raumgreifenden, ortsspezifischen, begehbaren Installationen an der Schnittstelle von Zeichnung-Installation. Sie ist national und international tätig. Ihre Werke sind in verschiedenen Sammlungen vertreten.
In ihrem künstlerischen Schaffen untersucht Stella Pfeiffer Raum, Wahrnehmung und Bewegung. Die Werke fokussieren dabei auf die Wahrnehmung. Die Zeichnung als Zeichen, Text und Körper ist zentral. Performative Einflüsse und Transformationsprozesse sind ebenfalls bedeutend. Sie arbeitet mit Material und seiner sinnlichen Präsenz. Die spannungsvollen, komplexen Bildräume setzt sie mit Linien, Rastern, Verdichtungen und gestischen Setzungen um. Konzentration und Dynamik, stille Präzision und physische Präsenz prägen ihre Werke. Die Digitalisierung unseres Alltags führt zu Verlust der Resonanz mit der Welt, „des In-der-Welt-seins“, der Verortung und Orientierung. Das verändert die Gesellschaft global. Was bleibt als eigener, innerer Ankerpunkt? Der schwarz-rote Linienraum thematisiert diese Fragen, indem die analoge Realität direkt physisch als ephemeres Fluidum erlebt wird – Resonanz mit sich selbst und der „Welt“. Die finale Umwandlung der Linien zu Spheres zeigt die Realität nochmals neu.
Alizé Rose-May
Alizé Rose-May (*1990) ist eine Künstlerin mit Wohnsitz in Bern, die in einer Arbeiterfamilie in den Schweizer Alpen aufgewachsen ist. Sie arbeitet mit Video, Fotografie, Objekten, Recherche, Text und kuratorischen Formaten. Ihre Praxis untersucht Verwandtschaft, Familie, Tradition, Gemeinschaft und queere Geschichte. Ausgehend von Archiven und deren Lücken nutzt sie queere Semiotik und eine Sprache der Intimität, um übersehene Geschichten und Formen des Zusammenseins sichtbar zu machen. 2017 schloss sie den MA in Contemporary Arts Practice an der Hochschule der Künste Bern ab.
“Alpine Flagging” (2025) ist eine Serie von drei Textilarbeiten, die alpine Bildwelten mit der codierten visuellen Sprache queerer Kultur verbindet. Inspiriert vom «Hanky Code» der 1970er-Jahre, der traditionell dazu diente, Identitäten und Begehren diskret zu signalisieren, ersetzt Rose-May dessen ursprüngliche Symbole durch Motive wie Kühe, Edelweiss und alpine Landschaften. Die Arbeiten werden zu einer poetischen Karte möglicher Begegnungen und verbinden ländliche Traditionen mit queerer Geschichte sowie Fragen nach Sichtbarkeit und Zugehörigkeit. Zwischen Landschaft und menschlicher Verbindung entsteht ein Zwischenland, in dem vertraute alpine Bilder neue Bedeutungen erhalten.
Claudius Seiter
Claudius Seiter (*2002, Berlin) studiert Bildende Kunst in Weimar. Er arbeitet mit Skulptur, Fotografie und Sound. Seine Praxis untersucht den öffentlichen Raum, Information und Überwachungstechnologien. In seinen Arbeiten verbindet er häufig analoge und digitale Materialien und konzentriert sich auf die Übertragung zwischen unterschiedlichen Informationsformen und deren materielle Spuren.
“Real Winners” (2026) untersucht die verborgene Überwachung, die in alltäglicher Technologie steckt. Die Arbeit bezieht sich auf Drucker-Trackingpunkte – nahezu unsichtbare Codes, die verraten können, wann und wo ein Dokument gedruckt wurde und welcher Drucker zum Einsatz kam. In Anlehnung an den Fall der Whistleblowerin Reality Winner, deren geleakte Dokumente mithilfe dieser Technologie zurückverfolgt wurden, wird ein Paparazzifoto ihrer Festnahme auf Plexiglas übertragen und mit einer vergrösserten Darstellung des Trackingcodes überlagert. Die Arbeit hinterfragt die fragile Grenze zwischen Privatsphäre und Überwachung sowie zwischen scheinbar einfacher Technologie und den Informationen, die sie kontinuierlich sammelt. Sie macht ein Zwischenland sichtbar, in dem persönliche Daten, öffentliche Informationen und Kontrollsysteme ineinandergreifen.
Jens Sundheim
Jens Sundheim ist Fotograf. Seine Praxis untersucht Überwachung, die digitale Zirkulation von Bildern und das sich wandelnde Verhältnis zwischen physischem und virtuellem Raum. Er studierte Fotografie in Dortmund, Plymouth, Berlin und Hamburg und stellte international aus, unter anderem bei den Rencontres d’Arles, der Triennale der Photographie Hamburg und im Fotomuseum Antwerpen. Seine Arbeiten befinden sich in öffentlichen Sammlungen, darunter im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, in der New York Public Library und im Ruhr Museum Essen.
“Der Reisende” (2001–fortlaufend) begleitet Jens Sundheim auf einer Reise von Webcam zu Webcam. Seit mehr als 25 Jahren hat er über 900 Orte in 25 Ländern besucht, an denen automatisierte Kameras kontinuierlich Bilder aufnehmen und online übertragen. Vor Ort tritt er in derselben wiedererkennbaren Pose und Kleidung in den Bildausschnitt der Kamera – und blickt zurück. Das Projekt verwandelt den scheinbar passiven Akt des Beobachtetwerdens in eine performative Begegnung. Es fragt, wer diese Bilder produziert, betrachtet und kontrolliert und ob die Anwesenheit einer Kamera einen Ort verändert oder ihn gar erst entstehen lässt. Zwischen Information, Überwachung, Selbstdarstellung und Bedeutungslosigkeit untersucht Der Reisende das Zwischenland zwischen physischem Ort und seinem digitalen Bild.
Pinelopi Triantafyllou
Pinelopi Triantafyllou ist eine griechische bildende Künstlerin mit Wohnsitz in der Schweiz. Sie arbeitet vorwiegend mit Textilien, textilen Skulpturen und partizipativen Installationen. In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sie sich mit Berührung, Körperlichkeit, psychischer Gesundheit und menschlicher Verbundenheit.
Mit einem Hintergrund in Bühnen- und Kostümbild, Lichtdesign und angewandter klinischer Soziologie versteht sie Kunst als Raum für Kommunikation, Reflexion und psychosoziale Auseinandersetzung. Ihre Arbeiten laden häufig zur haptischen Interaktion ein und hinterfragen dabei die traditionelle Distanz zwischen Kunstwerk und Betrachtenden.
“My Dear Diary” ist eine textile Installation in Form einer Steppdecke, die intime Aufzeichnungen gelebter Erfahrungen in ein haptisch erfahrbares Archiv verwandelt. Durch wiederholte Nähstiche und Spuren der täglichen Medikamenteneinnahme setzt sich die Arbeit mit Verletzlichkeit, Erinnerung und dem Verhältnis zwischen persönlichen Erfahrungen und öffentlicher Sichtbarkeit auseinander.
Agrina Vllasaliu
Agrina Vllasaliu (*1990, Prishtina) ist eine Künstlerin mit Wohnsitz in Berlin. Sie arbeitet mit Malerei, Fotografie, Video, Installation und Skulptur. Ihre Praxis untersucht Migration, Identität, kulturelle Erinnerung sowie die Weitergabe von Erzählungen und Traditionen aus feministischer Perspektive. Ausgehend von persönlichen Archiven, Familiengeschichten und Erfahrungen der kosovarischen Diaspora befasst sie sich mit den Zwischenräumen von Zuhause und Zugehörigkeit, Identität und Kultur. Sie studierte Geografie an der Humboldt-Universität zu Berlin und Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin (UdK).
Nach dem Kosovokrieg besuchte sie gemeinsam mit ihrem Bruder fast täglich den „Luna Park“ in Prishtina, der aufgrund der instabilen Infrastruktur trotz Stromausfällen teilweise mit Generatoren betrieben wurde. 2021 fotografierte sie den Ort ein letztes Mal, ohne zu wissen, dass dieser kurz darauf abgerissen werden würde. In einem dunklen Raum erkunden Besucher/innen mit bunten LED-Feuerzeugen fragmentarisch den Ort. Die Erinnerung wird dabei körperlich erfahrbar – als Orientierung ohne Bezugspunkt.
Yue Wu
Sie ist Künstlerin, die mit verschiedenen Ausdrucksformen arbeitet – Performance, Videoinstallation und Tuschemalerei. Zu ihre künstlerischen Arbeit gehören auch die Zusammenarbeit mit Umweltwissenschaftler:innen: die Gestaltung leicht verständlicher und ästhetisch ansprechender Umwelt-Icons sowie das Schreiben über diesen interdisziplinären, auf Nachhaltigkeit basierenden Entstehungsprozess. Nach ihrem Masterabschluss in Kunst an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) im Sommer 2025 gilt ihren aktuelles Interesse der Erforschung der Entwicklungsgeschichte chinesischer Schreibweisen sowie des Verhältnisses zwischen dieser Entwicklung und der gesellschaftlichen Teilhabe von Frauen. In ihrer jüngsten künstlerischen Arbeit liegt der Schwerpunkt auf der Malerei. Für dieses Tuschebild verwendet die Künstlerin traditionelles chinesisches Xuan-Papier (Shengxuan), Tusche sowie blaue Tuschefarben. Sie nutzt die natürliche Faserstruktur und Saugfähigkeit des Papiers und arbeitet in mehreren Schichten mit verschiedenen Blautönen und Tuschen unterschiedlicher Konzentration. Das Bild verdichtet Erinnerungen an Flüge über die Alpen und das chinesische Tian-Shan-Gebirge.
Zerv (Stefan Zerwas)
Zerv ist Künstler und Interaction Designer. Seine Praxis bewegt sich zwischen Fotografie, Bewegtbild, Creative Coding und interaktiven Systemen. Im Mittelpunkt steht die Auseinandersetzung mit den Übergängen zwischen physischer und digitaler Welt.
In den 1990er-Jahren gründete er die Metzgalerie in Koblenz, einen unabhängigen Ausstellungs- und Experimentierraum in einer ehemaligen Metzgerei. Seine fotografischen und interaktiven Arbeiten wurden unter anderem im Rahmen der Liverpool Biennale sowie bei FILE Hypersonica in São Paulo und Pixelache in Helsinki präsentiert.
Neben seiner künstlerischen Praxis beschäftigt er sich seit vielen Jahren mit Interaction Design, digitalen Medien und Bildung.
«G_C_N_P > rear mirror» (2026) ist eine ortsspezifische, interaktive Videoinstallation.
Ein Bildschirm über dem Lavabo wird zum digitalen Spiegel. Eine Kamera erfasst den gegenwärtigen Raum und seine Besucherinnen und Besucher. Das Livebild wird in Echtzeit aus wechselnden, unterschiedlich grossen Fragmenten historischer Fotografien rekonstruiert. Die Aufnahmen aus dem SBB-Historic-Archiv zeigen die Hauptwerkstätte Zürich in den 1940er- und 1950er-Jahren.
Wer vor den Bildschirm tritt, sieht sich selbst – zusammengesetzt aus Bildern der Vergangenheit. Der Bildschirm wird zugleich Spiegel und Rückspiegel: Erinnerung und Gegenwart überlagern sich in einem sich ständig verändernden Bild.
Mit einem roten Taster lässt sich dieser Moment einfrieren. Über einen QR-Code können Besucherinnen und Besucher entscheiden, ob sie ihr Bild mitnehmen möchten.
Die Arbeit verwandelt den Waschraum in ein Zwischenland zwischen Vergangenheit und Gegenwart, physischem und digitalem Raum – zwischen dem, was sichtbar ist, und dem, was verschwunden ist.